Source: http://www.tetu.com/actualites/international/mode-des-mariees-lesbiennes-cloturent-le-defile-19797

Le Palais Galliéra présente jusqu’au 28 août 2011 au Musée Bourdelle une exposition sur l’œuvre de Madame Grès, grande couturière.

Je dois dire, qu’une fois n’est pas coutume, j’ai été emballée par cette exposition.

Le musée Bourdelle, consacré à l’œuvre de cet incomparable sculpteur que fut Antoine Bourdelle,  semble être un écrin idéal pour montrer le travail d’Alix Grès. La proximité entre ces deux artistes, tant en terme d’inspiration, de recherches que de style crée une harmonie évidente entre leurs œuvres respectives. L’atmosphère d’atelier d’artistes, la grâce de ses jardins presque sauvages ou se côtoient sculptures et nature, tout dans ce musée incarne le paradoxe d’une impression hors du monde et d’un travail au cœur de la vie. On ne pouvait mieux montrer l’œuvre de Madame Grès, qui incarna ce paradoxe si porteur de sens.

La démarche d’Olivier Saillard, ancien de l’UCAD et désormais directeur du Palais Galliéra est à souligner. Il est d’ailleurs heureux de voir, qu’enfin, les spécialistes de l’histoire du costume accèdent aux postes de direction Cela évite les bourdes dues aux méconnaissances d’historiens d’art recrutés pas concours (en l’occurrence le concours dit du patrimoine, qui bien que d’une extrême exigence, parachute ses lauréats au gré des vacations et non en fonction de leur spécialité). Olivier Saillard donc a toujours fait preuve d’un regard original sur l’histoire de la mode, porté par une véritable réflexion intellectuelle et un goût certain pour ce sujet. On se souvient de sa collection abstraite où défilait non pas des modèles, mais des descriptions poétiques de vêtements chimériques. Aimant la transversalité, taboo encore très vivace dans le petit monde français de la culture, surtout lorsqu’il ne s’agit pas ‘d’arts nobles’, on ne peut que se réjouir de le voir proposer une exposition qui tend à rattraper celles, incroyablement créatives et constructives, de ses collègues étrangers (citons le V&A, le MET ou bien encore le MOMU).

Ceci étant dit, allons au cœur du sujet. Madame Grès dont le travail demeure fort et bien injustement  méconnu du grand public, fut un sculpteur contrarié et un grand couturier remarquable. Passionnée par le corps humain, tant dans ses proportions que ses mouvements, elle choisit d’étudier, collection après collection, le plissé. Jouant sur les infinies possibilités de cette technique, ô combien complexe, elle a offert à la mode des créations dont la virtuosité n’a rien à envier aux sculptures de la Grèce antique. Le raffinement extrême, les infinies nuances de jeu des plis, la remarquable élégance de ces tenues s’exposent avec éclat à travers chaque modèle qui jalonne le parcours scénographique. Les nombreux croquis, photos et illustrations montrent la richesse inventive de cette femme, qui su renouveler avec une infinité de détails ses robes.  Ses modèles, inspirés de la statuaire antique, semblent à la fois intemporels et d’une très grand modernité. Elle n’hésite pas à opter pour des couleurs tranchantes (jaune canari, vert sapin, orange), des effets parfois osés (un ventre dévoilé) ou une sobriété toute monacale, parfois théâtrale. Toutes ces robes brillent par leur sensualité, leur hommage aux formes féminines et aux femmes qui les portèrent. La technique est bien sûr époustouflante, mais Madame Grès, avec l’humilité de celle qui remet cent fois son ouvrage sur le métier, l’a mis au service de la grâce.

Il est rare de nos jours de rencontrer un peu de poésie. Rare et trop précieux pour ne pas le savourer. Courez-y.

Lien:

Une vidéo d’Olivier Saillard expliquant l’exposition:

http://www.paris.fr/loisirs/musees-expos/musee-galliera/madame-gres-la-couture-a-l-oeuvre-au-musee-bourdelle/rub_5854_actu_93538_port_12995

Sources photo:

Site officiel de l’exposition:

http://www.parismusees.com/madame-gres/

Blog:

http://www.tttottt.com/2011/04/madame-gres-expo/?lang=fr

Givenchy HC AH 2011-2012

La cape devrait devenir le nouvel accessoire indispensable à la robe longue :

C’est juste sublime, surtout sur l’Impériale Charlotte…

John Galliano fut et demeure un story teller, l’un des plus brillants que la mode ait porté. Mais c’est une histoire, petite et laide, que le créateur a, cette fois, inventée. Lui qui incarna successivement un pirate, un astronaute, un escrimeur, un torero est aujourd’hui un accusé et un créateur dégriffé. Le 22 juin dernier (ironie du calendrier, premier jour des soldes), John Galliano a comparu au Tribunal  Correctionnel de Paris. Il est poursuivi pour injures publiques à caractère racial et antisémite. Il est apparu, mince, les traits tirés, las, impeccablement habillé comme toujours. Ce dont il est accusé n’est pas anodin. Ce sont de graves délits, d’un point de vue judiciaire, d’un point de vue moral plus encore. Tout ceux qui s’intéressent à lui, sa carrière, et même quantité d’autre ont vu cette vidéo infamante où on le voit tenir des propos que d’un point de vue judiciaire et moral, on peut légitiment considérer comme haineux et d’un point de vue plus empathique, qu’on pourrait qualifier de provocateur tant le phrasé et le comportement général apparaissent comme pathétiques. A cette vidéo s’ajoute d’autres témoignages, certains à charge, d’autres à décharge. Quoiqu’il en soit, la justice fera le travail qui lui appartient.

Si je respecte la justice, je ne souhaite pas pour autant passer sous silence ce que je sais de John Galliano.

Je me souviens de mon premier ‘choc Galliano’. J’avais 13ans et je vivais alors dans le monde gris, froid et conformiste de l’adolescence. Je me souviens de ses premiers défilés à Paris, ceux sous son nom et surtout ceux, très médiatisés, sous celui de Givenchy, puis de Dior. Je me souviens de la claque esthétique, du monde incroyable dans lequel il a fait basculer tous ceux qui aimaient la mode et croyaient en avoir tout vu. Regarder un défilé Galliano c’était plonger dans un autre monde, comme un livre ouvert et imagé, ces livres d’enfants, où chaque page est en relief, où se dessine des scènes entières. Un monde poétique, onirique même, une exclamation de joie et d’émerveillement enfantin. Un univers absolument singulier, qui par sa magie, fut une leçon : la différence est une force, l’exaltation de cette différence, une création. John Galliano m’a appris que la différence est un trésor qu’il faut montrer et dont il faut être fier. Je me suis  fait la promesse qu’un jour, je travaillerai à ses côtés.

J’ai mis dix ans avant de pouvoir pénétrer dans le studio femme de Christian Dior Couture. Ce fut l’une des expériences les plus enrichissantes qu’il m’ait été donnée d’avoir. Une expérience passionnante de découverte. Ou comment tant de gens si différents, mais si passionnés, peuvent créer ensemble, dans la fierté et le sacrifice, un travail immense, et quelques instants de rêve. Et je me souviens de lui, que j’ai vu quelques fois. Tétanisée par le respect que je lui portais, j’étais incapable de lui témoigner mon admiration. Je me souviens d’un homme timide et exubérant, colérique et extrêmement courtois, drama queen et adorable. Un homme respectueux des autres, surtout des plus humbles, ceux tout en bas de l’échelle sociale et hiérarchique d’une maison de couture. Je me souviens aussi de son ‘bras droit’, son ami, son presque-frère, Steven Robinson, insolemment drôle, profondément gentil, simple surtout. Le seul aussi qui savait comprendre John Galliano, sans le juger, critiquer son travail et le défendre aussi. Lui dire ses vérités et le protéger. Il était le pont entre le créateur et le reste du monde. Lorsque j’ai appris sa mort, quelques mois plus tard, je me suis demandée, comme de nombreux autres, comme Galliano allait pouvoir continuer à créer sans lui. Il semblait irremplaçable. Il l’était. Privé de son garde-fou, de sa forteresse et de son pont, John Galliano a sombré. Entouré de courtisans et de financiers, il est demeuré seul. Seul face aux pressions, seul face à ses démons.

Il est évident que John Galliano souffre de troubles psychiques. Comme de nombreux créateurs. Comme de nombreux artistes. On ne devient pas artiste par hasard, mais bien souvent pour exprimer un monde profondément singulier qui sinon, enferme et empêche de vivre avec les autres. D’une sensibilité extrême, maladive, Galliano n’a jamais caché s’être inventé un monde pour fuir la cruauté du réel. Victime de racisme dès sa plus tendre enfance, parce qu’il avait le tort d’être enfant d’immigrés, traité de métèque et de pédale par des enfants à qui on n’avait pas appris la vertu de la différence, celui qui s’appelait encore Juan Carlos s’imaginait alors que sa bicyclette était un cheval volant, il parvenait à s’enfuir dans ce monde imaginaire qu’il aura plus tard la générosité d’offrir à des spectateurs éblouis. Nommé à la direction créative de Dior, il s’est entouré d’une équipe constituée de personnes de toutes origines, de toutes conditions et jamais personne, dans ce milieu si restreint qu’est la mode, ne l’a entendu proférer une insulte d’ordre racial à l’égard de qui que ce soit. Chacune de ses collections est une incarnation de son respect des cultures, des peuples, des différences. Peu de pays ont échappé à ses voyages d’inspiration, tant ce créateur est insatiablement curieux d’autrui. De la guerrière massai de son premier défilé pour Dior jusqu’aux danseuses de flamenco, en passant par les paysannes péruviennes, les chanteuses de l’Opéra de Pékin et les princesses amérindiennes, Galliano faisait voyager la mode jusqu’aux plus lointaines contrées, faisant fi de l’espace et du temps. Les références, les vestiaires s’entrechoquaient, créant un univers unique comme une histoire de la beauté sans cesse réinventée.

Déjà sensible aux paradis artificiels, il a sombré dans l’alcool et les médicaments, et son sens de la provocation, si constructif, si empreint de ludisme, est devenu une arme pathétique, un cri de haine et de colère, un acte d’autodestruction.

Comme beaucoup d’autres et comme lui certainement, j’ignore si une maison, des financiers, lui redonneront une chance. Je le souhaite. Pour lui et pour tous ceux, qui comme moi, lui sont infiniment reconnaissants de la leçon esthétique et morale qu’il nous a offerte, collection après collection. Cependant, quoiqu’il arrive, personne ne pourra jamais contester que John Galliano fut et demeure l’un des créateurs les plus talentueux que la mode ait fait naître. Grâce lui en soit rendue.

Je ne vois rien de ‘so fifties’ dans ces modèles, l’une des jupes est définitivement trop courte, les couleurs sont tristes, ternes, alors que les années 50′s sont le règne des couleurs, il suffit de regarder n’importe quelle comédie musicale de l’époque pour s’en rendre compte, et bien sûr Mad Men qui restitue avec beaucoup d’élégance cette époque, ou du moins l’idée, relativement précise, qu’on s’en fait aujourd’hui.

Idem pour les hommes, rien de transcendant…

Plus de modèles qui confirment que la marque est passée, globalement, à côté:

Le chandail du jeune homme est pas mal mais il existe déjà dans de nombreuses boutiques. La robe en surimpression pied-de-coq géant est la mieux inspirée. En revanche, il y a un vrai problème de longueur de jupe/robe. La longueur années 50 est sous le genoux. Ce n’est pas négociable, c’est une règle canonique, ça ne se discute pas. Ce n’est d’ailleurs pas une règle absurde, c’est presque une philosophie, et indubitablement une esthétique. Car c’est la longueur de l’imagination, la longueur du secret à découvrir, du rêve caché par l’ourlet.

On ne voit rien, on devine, on imagine, on fantasme. On joue à cacher, on laisse la liberté d’imaginer. On sait, l’autre pas. Et celle qui sait a le pouvoir sur celui qui aimerait savoir. La longueur sous le genoux c’est l’archétype de l’éternel féminin, l’naccessible à conquérir. C’est la longueur sage et affolante. ça n’enlève rien à la beauté spontanée des mini-jupes qui se rient du vent et de l’audace des jambes qui dansent sur la bitume et qui viendront quelques années plus tard. Mais puisque, de nos jours,  les deux peuvent coexister librement et que Banana Republic se targue de restituer les années 50, ça manque de cohérence stylistique. Par ailleurs, la robe rose est taille empire, ce qui n’est pas anachronique mais elle efface totalement la taille. Et quoiqu’il en soit, le mannequin n’a rien des mensurations de Brigitte Bardot. Et pourtant l’intérêt des robes de cette époque c’est d’envelopper avec élégance les formes voluptueuses de celles qui les portent.

Bref, un essai pour rien. Dommage, on attendait beaucoup de la première collection Mad Men. La prochaine peut-être?

Je m’attarde tout de même les détails précieux de la tenue de Kate:

Le voile, incrusté de broderies florales:

Le bas de la robe, également brodé:

On remarquera le petit détail audacieux, la robe composée de voiles est translucide et laisse apparaître les jambes de la mariée.Un mariage définitivement rock :

Quelques images qui montrent des gens heureux et une amie fidèle. Kate Moss n’a pas oublié le créateur qui l’a lancée, son ami de 20ans et démontre que John Galliano n’a rien perdu de ton talent. Et elle, de sa loyauté.

Mais ce qui a retenu l’attention des nombreux commentateurs de l’évènement, c’est la coiffe d’inspiration ‘années 20′ que portait la mariée:

L’idée est intéressante, le résultat un peu maladroit. Les fleurs sont, en effet, trop grosses, et rappellent les cache-oreilles de notre enfance. C’est dommage car l’effet du voile à la mode ‘années 20′ peut être très réussi.

La preuve: Emmanuelle Béart dans Manon des Sources de Claude Berri, film remarquablement ‘habillé’ par la costumière Sylvie Gautrelet.  Copyright: Renn Productions

Je n’ai malheureusement pas trouvé plus de photos. Je vous invite donc à regarder ce film, par ailleurs merveilleux (surtout lorsqu’on aime l’oeuvre de Pagnol).

L’épure monacale d’une telle coiffe nécessite, par contraste, d’avoir des traits doux. Ce voile met donc particulièrement en valeur le visage de Madone de l’actrice à cette époque.

Très chère Liliane,

Nous ne nous connaissons pas, il est vrai, mais je suis, depuis plusieurs mois maintenant, votre lutte acharnée pour la préservation de votre liberté. Et je me joins à vos efforts pour qu’enfin, nous puissions vivre dans un monde où la Liliane soit libre.

Parce qu’enfin, à 88ans, Liliane Bettancourt nous apporte un peu de fraicheur et de transgression dans le monde policé des cosmétiques. Et non, la Liliane n’est pas lisse, la Liliane a même des rides, ce qui, lorsqu’on détient la majorité du capital de L’Oréal, est une véritable transgression.

Pourquoi vouloir libérer la  Liliane me demandez-vous?

Parce que:

1) Liliane a compris depuis longtemps, que plus on est riche, plus l’amitié se monnaye. Elle a toujours été parfaitement  lucide sur la véritable nature de l’amitié que François-Henri Banier (parmi d ‘autres) lui portait. Mais Liliane sait que l’argent et le pouvoir changent votre cercle de proches en cour de Versailles. C’est comme ça. Les riches aussi ont leurs problèmes.

2) Liliane ne semble jamais avoir été très proche de sa fille Françoise. Cependant, Liliane ne s’en excuse pas. Non, Liliane n’est pas une mère culpabilisée (à son époque, ça n’existait pas). Elle n’hésite pas à dire que sa fille est dérangée, et qu’elle devrait aller voir un psy. Liliane n’est pas la Maternité faite femme.

3) Liliane sait bien s’entourer (parfois). Son équipe de communicants est très brillante. Ils sont parvenus à rendre la femme la plus riche de France, sympathique, ce qui dans ce pays, n’est pas un mince exploit. Bravo les gars!

4) Liliane est capable de porter un tailleur-pantalon blanc avec des baskets, je dis bien des baskets, pas des tennis discrètes, du style je viens voir un match à Rolland Garros en buvant une coupe de Champagne. Non des vraies baskets de sportifs, de celles ‘qu’on voit bien que tu fais pas semblant’. Et elle les assume avec la nonchalance de celle qui n’a plus rien à prouver…Classe!

5) Liliane sait que les Hommes sont médiocres, la vie absurde et les enfants, une source des déception. Elle sait aussi qu’elle perd un peu la tête parfois car  la vieillesse est un naufrage mais dans un de  ses moments de lucidité, mais elle a décidé d’en tirer parti et, accessoirement, de faire ce qu’elle veut de sa fortune parce que tant qu’elle est là, c’est à elle, et qu’ils devront attendre son dernier souffle avant de se battre pour avoir les parts du gâteau, ou les miettes, parce que ça l’amuse qu’ils ne sachent pas ce qu’elle va laisser…

5) Et enfin et surtout, Liliane est follement drôle car elle l’air de rien, dans un mouvement élégant d’épaule, faisant virevolter, avec le soupçon d’espièglerie classieuse nécessaire, son étole Hermès, elle balance des mines antipersonnelles dans le monde de la finance, des cosmétiques, de la politique et du luxe (car en fait, tous ces mondes sont intrinsèquement liés). Et elle se marre de voir toutes ces marionnettes, si policées, marcher sur des braises et essayer de rattraper les scuds en prétextant que tout va bien et qu’il n’y a rien à voir. Et tout ce petit monde flippe parce que ça fait des années qu’il la sous-estime en lui soutirant un maximum d’argent et en pensant qu’elle ne s’en rend pas compte. Mais ils commencent à comprendre que Liliane a décidé une fois pour toutes, qu’on ne l’emmerderait plus et qu’on la laisserait vivre ses derniers jours comme bon lui semble, avec les courtisans de son choix, parce qu’au fond c’est tout ce qu’il lui reste.

Liliane a décidé de tirer sa révérence dans un grand éclat de rire, en baskets et froissement d’étoffe de cashmere, et avec dans le regard ce petit rien qui veut dire: “Après moi, le déluge!”.

Free Liliane!

   Mais n’est pas Isabella Blow qui veut…

C’est en me faisant cette réflexion (et en cherchant les photos pour le prouver), que je suis tombée sur cet article:

http://culture-mode.blogspot.com/2010/10/lady-gaga-out-isabella-is-here.html

Un judicieux choix de photos pour montrer celle que fut Isabella  Blow: une excentrique, une authentique excentrique, et c’est peut-être ce qui fait toute le différence…

http://francefiction.blogspot.com/

Qui que vous soyez, respect et merci pour ce cri scriptural et révolté.

Chantal Jouanno, actuelle Ministre des Sports, a donc pris la parole et expliqué qu’elle n’osait plus venir en jupe à l’Assemblée Nationale tant elle était lasse d’entendre des propos sexistes sur son passage. Cela m’a rappelé Elisabeth Guigou, ancienne Garde des Sceaux, qui, il y a quelques années, avait expliqué avoir renoncé elle-même aux jupes dans le cadre de sa vie politique pour les mêmes raisons. Comme quoi, rien ne change….

Suite aux propos de Chantal Jouanno, Valérie Boyer, députée des Bouches-du-Rhône et Bérangère Poletti, députée de l’Ardèche, ont organisé un brunch intitulé:  ‘Les femmes de l’Assemblée Nationale qui portent des jupes respectent leurs collègues et en sont respectées’.

Ces deux députées trouvent que les propos de la ministre ‘caricaturent’ leurs collègues masculins.

Interviewée par Terranova.com, Bérangère Poletti explique:

” Je trouve que le discours autour du machisme à l’Assemblée est caricatural : nous ne sommes pas de pauvres malheureuses, et les hommes ne sont pas une horde de bêtes sauvages. Pour avoir travaillé longtemps dans le milieu hospitalier, je peux vous dire qu’on trouve beaucoup plus de machos ailleurs que dans l’Hémicycle ! Ce déballage est humiliant pour mes collègues masculins, et rabaissant pour les femmes”.

Madame la députée, ce qui est rabaissant pour les femmes, ce n’est pas qu’elles osent dire que des hommes leur manquent de respect, mais bien que des hommes leur manquent de respect. Personne n’a dit que  l’ensemble des députés masculins constituait une horde bêtes sauvages mais, en revanche, il y a, de toute évidence, des prédateurs sexuels dans l’Hémicycle et sous les ors de la République, ainsi que nous le montre l’actualité. Mais il y a aussi, une misogynie insidieuse, ordinaire, quotidienne, qui s’immisce de façon malsaine dans le monde professionnel, y compris le vôtre. Je suis ravie de voir que des femmes, telle que vous, ont la force de caractère de remettre ces hommes à leur place, mais je ne juge pas celles qui vivent cette violence (car c’en est une) avec moins de force et qui se sentent agressées dans leur identité, par ces hommes.

Suite à ce brunch, Christian Jacob, Président du groupe UMP à l’Assemblée Nationale a déclaré (source lemonde.fr):

“Je ne dis pas qu’il n’y a pas de dérives comme partout ailleurs”, a-t-il toutefois ajouté.

Un avis partagé par Bernard Accoyer (UMP), Président de l’Assemblée nationale. “Je m’insurge contre les allégations qu’il y aurait à l’Assemblée des comportements différents de ce qu’ils sont dans tous les secteurs de la société”, a-t-il déclaré à la presse. “Il n’y en a pas plus qu’ailleurs”, a-t-il poursuivi, se déclarant “interloqué” par les propos de la Ministre des Sports, qualifiant son affirmation “d’injustifiée et déplacée”.

Et ceci est censé être un argument de défense des députés?? Une excuse?? Devons-nous comprendre que parce que la misogynie existe dans de nombreux autres secteurs de la société, il est normal, légitime même, qu’elle existe au sein de l’Assemblée Nationale? Il est normal que nos élus, qui sont censés respecter les lois qu’ils ont eux-mêmes rédigées, proposées et pour lesquelles ils ont voté, les piétinent au prétexte que le quidam le fait aussi?? Nos élus ne sont-ils pas censés donner l’exemple, ne sont-ils censés défendre notre constitution, nos valeurs, nos lois et notre démocratie? N’ont-ils pas le devoir de montrer l’exemple à la Nation?

Décidément, il y a quelque chose de pourri sous les ors de la République…

Besoin d’un dernier argument? Les chiffres parlent d’eux-mêmes: l’Assemblée Nationale compte actuellement 113 femmes sur les 576 députés qui y siègent.

http://www.programme-tv.net/cinema/39450-des-saris-et-des-hommes/#

A ne pas rater!

Le label, rendu célèbre par sa communication orientée ‘baby couples branchouilles et narcissiques”, genre: “Oh, mais c’est qui ce couple trop glamour sur les affiches?! Oh mais c’est nous, chouchou!’ Mais comme on est trop beaux, et comme on s’aime trop pour la vie même si ça fait deux semaines qu’on est ensemble”. Bref, je disais donc, The Kooples, dans la lignée de ses précédentes campagne

(ludiquement détournées par Eram d’ailleurs…)

The Kooples donc, a choisi de mettre en vedette pendant une saison (qui m’a paru très longue au regard du contenu com) un couple de jeunes gens, beaux, aussi paumés qu’on peut l’être à 20ans, et à les voir déambuler dans les rues de Paris sur les  (très) nombreuses vidéos et photos disponibles sur le blog  de la marque (http://www.thekooples.com/blog/) , on se dit qu’ils devraient arrêter de se regarder dans les yeux et plutôt regarder la route, mais c’est un autre sujet…

Lui, Warren Guetta, présenté comme mannequin et comédien, elle, Margaux Lonnberg, blogueuse de Killing Moon, et  présentée  comme “photographe/styliste/”video maker”/comédienne”…etc

Suite à cette campagne, une polémique est née car des internautes ont été choqués par la maigreur de la jeune femme. Le Jury de Déontologie Publicitaire a demandé à la marque de retirer de son blog les photos litigieuses, celles  qui font supposer que Margaux est anorexique (mais les apparences peuvent être trompeuses, encore qu’en  2008, quand Garance Doré l’avait prise en photo, elle semblait plus en forme):

Margaux Lonnberg, a une  grâce indubitable, une beauté sauvage (qui, réflexion faite, est, peut-être pour une part,  liée au fait qu’elle semble fâchée avec le concept de la brosse à cheveux). Mais, sa fascination pour son propre couple, ‘de jumeaux singuliers’ tel qu’elle le qualifie, qui lui inspire ses images, visibles sur le blog de la marque et le sien,  a quelque chose de tellement narcissique,  naïf  et exhibitionniste que s’en est à la fois touchant et profondément agaçant.  Mais on lui pardonnerait volontiers cette faiblesse si celle-ci ne cautionnait pas un travers de l’époque, dont la communication de The Kooples est tellement emblématique.

Le vide intersidérale de cette campagne, aussi creuse que les joues de son égérie montre bien les limites d’un tel discours. A force de se la jouer cool, branché, pseudo-élitiste, on finit par se couper de la réalité et donc de sa clientèle. Et c’est bien le problème de la transgression en communication, choisir un concept de niche (les baby couples donc), ça limite pas mal, mais vouloir se la jouer rock-intello, à base de déambulations existentielles dans le Marais, ça limite un peu la force de frappe. Si, on rajoute à cela, le cliché de la maigreur extrême, (parce qu’avoir la peau sur les os, c’est soit un sport de luxe dans un pays qui compte plus d’obèses que d’affamés, soit un symptôme de trouble psychiatrique, ce qui n’est pas très vendeur…), on passe de l’idéal au repoussoir.

The Kooples, qui a senti le vend tourner a donc décidé de mettre fin à sa collaboration avec le couple…Une attitude pas très rock’n'roll mais les chiffres de vente ne vont pas toujours de pair avec les riffs de guitare…

La preuve est en donnée une seconde fois, deux semaines plus tard,  avec l’annulation de la collaboration de The Kooples avec Pete Doherty. Le rockeur, cocaïnomane, et ex de Kate Moss, s’est fait pincer le nez de la poudreuse (évènement ô combien inattendu de sa part, qui nous laisse pantois et lui derrière les barreaux)…Enfin, officiellement, les frères Elicha ont repoussé la collaboration, en attendant sa sortie de prison (mais perso, je les vois mal venir le chercher avec une banderole et un contrat…mais bon, je dis ça, je dis rien…)

Bref, comme le dit si bien le communiqué de presse de la marque : “Travailler avec Pete Doherty est une grande aventure. C’est un artiste passionné et créatif mais parfois la créativité est une route compliquée.” C’est surtout une route pas très rentable pour une marque bien plus mainstream qu’elle voudrait le faire croire…

Ces exemples montrent bien tout le paradoxe de la culture rock. Faisant partie des ‘truthers’ (adeptes de la théorie du complot), je suis persuadée que le rock a été inventé par les marques américaines, dans la société de consommation naissante des années 50,   pour vendre un style de vie aux petits blancs en quête de frissons, qui cherchaient justement un moyen d’emmerder leurs parents en leur imposant leur jeunesse triomphante et vide de sens. Il n’empêche qu’en petite blanche, je suis moi-même adepte de rock’n'roll mais je suis assez lucide pour savoir qu’acheter une fringue bien coupée à 200Euros n’a rien n’a rien de transgressif et encore moins de révolté. C’est au mieux un acte purement hédoniste, au pire un acte de consumérisme.

Mais il est vrai que la lucidité demande de l’humour et de la créativité pour être vendeuse, notions que The Kooples ne semble pas encore maîtriser… On lui pardonne: c’est une jeune marque qui a encore beaucoup à apprendre.

On ne peut que l’inviter à s’inspirer d’Eram…

                 Flesh & Plastic Copyright: Julianne Rose

Curieusement, le fait d’être aussi blanche m’a amené assez tôt à comprendre l’absurdité de la vision du monde selon l’industrie cosmétique occidentale. Les entreprises de ce secteur passent leur temps à vendre des éclaircisseurs de teint à des indiennes qui de toute façon ont la peau foncée, à des Japonaises, qui, elles ont la peau claire mais pas blanche, des autobronzants et autre préparateurs de peau à des blanches occidentales, et Dieu sait quoi aux femmes latines et arabes qui suivant si elles vivent d’un côté ou de l’autre de la Méditérannée fuieront le soleil ou iront volontairement se faire brûler la peau dans des cabines UV. Et je ne parle même des femmes noires que l’on pousse depuis des décennies à utiliser des crèmes hautement toxiques pour se blanchir la peau. Mais où va le monde?! Sûrement chez l’Oréal…

Quelques images…

Beyoncé Knowles et Scarlett Johansson vues par l’Oréal:

 Beyoncé Knowles et Scarlett Johansson dans la vraie vie (des vrais gens…ou presque)

Ah! Cruelle ironie d’un monde dans lequel les noirs doivent se blanchir avec des pommades cancérigènes et les blancs se noircir sous le soleil et les lampes UV pour le même résultat: le mélanome.

Je précise à toutes fins utiles que les cabines UV sont désormais considérées comme cancérigènes par l’Organisation Mondiale de la Santé et le Centre International de Recherche sur le Cancer. J’ajoute que la vente de crèmes dites ‘éclaircissantes’ est illégale au sein de l’U.E mais qu’elles y sont fabriquées (y’a pas de petit profit…).

Ah oui! Une autre chose qui m’amuse beaucoup.

 Quelqu’un pourrait-il expliquer aux célèbres ‘experts de l’Oréal’ que non la mélanine n’est pas une couche de crasse mais un système de défense contre les agressions solaires développé par la peau? Donc que ça ne sert à rien de blanchir Pénélope en faisant croire qu’en se nettoyant le visage, elle n’est plus latino…à moins qu’il y ait du papier de verre dans leur nouveau produit…du coup, là, comme ça, suis pas tentée…

Ce qui nous renvoit à cette vieille idée coloniale que le blanc est synonyme de propreté, de pureté, de ce qui est sans tâche et le noir à la saleté, l’imprureté et la ‘noirceur morale’. On en est encore là…

Mais que bien sûr, le bronzage est synonyme de bonne santé (et non pas de cancer potentiel et vieillisement accéléré de la peau) et bien sûr de richesse (car de vacances). Donc, quand on est dans un pays riche, ça prouve qu’on peut partir, si possible dans un pays lointain et pauvre pour profiter du soleil des autres. En revanche, quand on est dans un pays pauvre, plus on est clair, plus on a l’air riche et beau car blanc…d’une logique imparable…

La blancheur est devenu dans les pays non-occidentaux un tel symbole de réussite que beaucoup de femmes et même d’hommes pensent être plus désirables en se blanchissant la peau.

La preuve par trois en Inde :

Voici une publicité mettant en scène LE plus populaire des acteurs indiens, Shah Rukh Khan, qui vantent les mérites d’un produit visant à éclaircir la peau des hommes indiens, avec comme argument imparable, un plus grand succès auprès des femmes:

http://news.bbc.co.uk/player/nol/newsid_7010000/newsid_7011600/7011608.stm?bw=bb&mp=wm&asb=1&news=1&bbcws=1

Les deux autres sont des reportages sur les femmes indiennes cette fois, qui pensent qu’en s’éclaircissant la peau, elles trouveront plus facilement un mari:

http://www.dailymotion.com/video/x6zsl5_inde-blanchiment-de-la-peau_webcam

http://oanisha.blogspot.com/2008/12/le-blanchiment-de-la-peau.html

 En passant, un petite publicité du produit phare de l’Oréal en Inde ‘white perfect’ (tout un programme) avec un modèle bien blanc du reste…

Du coup j’en profite pour rebondir sur le cas Aishwarya Rai, la plus célèbre égérie de l’Oréal en Inde:

Oui, je sais la démonstration est déjà faite, mais je ne me lasse pas de regarder ce genre de contraste entre la fiction cosmétique et la (pourtant si belle) réalité. Sachant tout de même, que pour une indienne, A. Ray est particulièrement claire. Elle a un visage métissé (peau mate, yeaux clairs) qui n’est absolument pas représentatif des femmes indiennes. 

Ceci dit, loin de moi l’idée de dire que l’Oréal est seul responsable de cette tendance. La société indienne est  dominée par un système de castes dans lequel la clarté est associé à la pureté spirituelle donc aux hauts rangs. En outre, de  nombreux concurrents locaux ou internationaux proposent le même genre de produits éclaircissants que cette marque. Mais la force de frappe de l’Oréal est sans égal car elle dispose à la fois de la légitimité de son histoire, du prestige conféré à la cosmétique occidentale et en plus, une égérie qui incarne un idéal de bauté absolument inacessible pour les Indiens toute en étant elle-même indienne…

De même qu’ A. Rai n’est pas représentative des femmes indiennes,  Noémie Lenoir n’ est pas représentative des femmes noires. Noémie Lenoir est une très belle femme, une très belle femme  métisse. Elle représente l’archétype de la chabine. ‘Chabin’ est un mot antillais qui décrit les personnes présentant des traits à la fois négroïdes et caucasiens, un mélange indéfinissable du blanc et du noir, sans pour autant être mulatre (né d’un parent blanc et d’un parent noir). Bien qu’elle ne soit à proprement parler, pas une véritable chabine (puisqu’elle est née d’un père blanc et d’une mère d’origine réunionnaise), elle en a les traits. Dans la culture antillaise, les chabins ont la réputation d’avoir un grand pouvoir de séduction, ils exercent une certaine fascination mais sont souvent traités dans la littérature créole comme des personnages ambivalents justement parce qu’ils échappent aux cadres, aux groupes. Par ailleurs dans les sociétés africaines, l’esthétique de la clarté est antérieure à la colonisation occidentale même si celle-ci a aggravé le problème. En effet, la clarté est associée à la féminité, la testostérone ayant une incidence sur la production de mélanine. Donc plus on est claire, plus on est féminine.

D’une certaine façon, je m’avancerais à dire que cette image de la beauté métissée donc indéfinissable a peu à peu colonisé l’univers médiatique de la cosmétique. Sous l’impulsion de la globalisation, elle vient progressivement concurrencé l’archétype de la femme blonde aux yeux bleus et au teint hâlé. En soi, cette idée de métissage est plutôt salvatrice puisqu’elle tempère, à défaut d’abolir, la femme blanche comme seule canon de beauté. Néanmoins, on observe une chose très frappante : le refus de la négritude. Il n’a pas d’égérie noire. Il y oui, des Afro-Américaines mais elles ont toujours le teint clair. Les seules publicités avec des personnes noires (hommes ou femmes) sont celles destinés à vendre des produits spécifiques aux peaux noires, ce que les marketeurs appellent des ‘produits segmentants’, basés sur l’utilisation pratique et non sur une symbolique, un idéal de beauté. Ces publicités sont essentiellement visibles dans la presse dite ‘ethnique’ comme Amina, Miss Ebène ect… Pour être une égérie d’une grande marque, il faut justement ne pas être ‘segmentant’, c’est-à-dire s’adapter aux plus grand nombre de consommateurs (trices) possibles. Et si la ‘blancheur’ est considérée comme un modéle d’identification globale, la ‘négritude’, elle, est frappée d’ostracisme. Comme si même les femmes noires ne pouvaient rêver en regardant une égérie noire, sans parler des femmes non-noires (latines, arabes, blanches)… Et la ‘négritude’ dont je parle ici ne touche pas que les populations ethniquement africaines mais aussi toutes celles qui ont la peau noire (Indiens, Aborigènes australiens…).

Le jour où je verrai la sublime Aïssa Maïga, belle comme le jour, noire comme l’ébène , égérie d’une grande marque de beauté, je me dirai que le monde de la cosmétique a enfin ouvert les yeux sur la (multiple) beauté du monde et surtout sur celle des femmes noires. Attention, éblouissement! :

Je conclue mon tour du monde en passant par l’Extrême-Orient, avec la version asiatique du ‘White Perfect’. En voyant le slogan, je me suis demandé plusieurs minutes si ça n’était pas un photo-montage, mais il semble bien que non. Si vous lisez bien la petite languette rose, vous verrez: “Less yellowish complexion, more rosy glow” ce qui se traduit littéralement par : “Moins de teint jaunâtre, plus d’éclat rosée”…un petit bijou de cynisme pour provoquer la haine de soi. Car à bien y réfléchir, toute la stratégie de persuation de l’Oréal est non pas basée sur la mise en valeur de ses attraits physiques mais bien sur la haine de soi entraînant une quête effrénée du changement d’identité ethnique. Ce n’est pas ‘le meilleur de moi’  mais ‘le meilleur de l’autre que je dois être’. Assez terrifiant…

D’ailleurs, Dove a voulu quantifier cette vision sado-masochiste de la beauté en interrogeant des femmes à travers le monde. Résultat parlant…

http://www.pourtouteslesbeautes.com/uploadedfiles/fr/fr_dove_enquete_mondiale.pdf

Face à cette problématique, Dove a donc choisi de prendre le contre-pied de son concurrent, avec sa campagne emblématique  ’On est toutes belles’, un succès immense. Et pour cause. Pour la première fois, une marque de beauté propose aux femmes une image proche de la réalité, faite de multiples personnes, de tous les styles, de différentes origines. C’est une vision en miroir tendue aux consommatrices. La symbolique de la séduction est assez peu présente. On est dans une recherche d’une beauté saine, sans artifices, axée sur l’idée de naturel. Même si je ne ressens pas un grand sentiment d’identification, j’aime que la marque ‘joue le jeu’ en valorisant ses consommatrices. ça donne envie de consommer du Dove…

Mais la pionnière en la matière fut inconstestablement Anita Roddick, passionaria de la cosmétique éthique et créatrice de The Body Shop. Commerce équitable, produits à base de matières naturelles, refus des tests sur animaux, campagnes de pub mêlant humour et dénonciation des stéréotypes, plusieurs décennies avant que cette démarche devienne stratégiquement une tendance lourde du marché.

Voici l’une des rares campagnes de communication de The Body Shop avant son rachat par l’Oréal:

 Et voici des visuels ‘Body Shop’ post L’Oréal:

Là, je m’abstiendrai de tout commentaire, je pense que vous avez compris…

En un mot, libérez-vous des carcans:

                 Copyright : Nicole Tran Ba Vang   

        Mais n’essayez pas de changer de peau, ça pourrait ne pas vous aller:

                 Copyright : Nicole Tran Ba Vang

Tout ça pour dire que n’attendez pas que l’univers de la cosmétique vous renvoit une belle et juste image de vous, vous risqueriez d’attendre longtemps. Donnez-vous juste les moyens d’incarner la plus belle part de vous-même…

Présentation de l’éditeur:

“Chanel, Gloria Swanson, Greta Garbo, Marie-Laure de Noailles, la duchesse de Windsor, Visconti, Ali Khan, Rita Hayworth, Truman Capote, Gianni Agnelli, la princesse Grace, la Callas, Onassis, Jackie Kennedy, Andy Warhol, Jacques Chazot, Elizabeth Taylor… Qui peut se targuer d’un tel générique ? Ce livre n’est pas une étude sociologique sur le snobisme, mais un livre avec des snobs comme personnages. Des snobs qui se croisent. Plus de snobs qu’aucun autre livre n’en a jamais réuni. Des snobs, des dandys, des noctambules, des esthètes, des égéries, des stars, dès couturiers, des décoratrices, des écrivains, des hommes à femmes et des femmes à hommes (mais aussi des hommes à hommes et des femmes à femmes) réunis par des histoires d’amour, des romances, des coucheries, des coups de foudre, des coups fourrés… Presque une centaine d’acteurs, sans compter les seconds couteaux. Que du beau monde, mais quel monde ! Un monde à des années lumière du nôtre. Un monde qui appartenait encore aux hommes et aux femmes qui se couchaient tard, qui buvaient comme des trous, qui fumaient comme des pompiers et se droguaient à l’occasion. Grâce à une foule d’anecdotes et une écriture qui emprunte au romanesque, Francis Dorléans, ancien chroniqueur pour Vogue, a l’art de convertir la nostalgie d’une époque en un feuilleton acide et coloré dont on ne voudrait rater aucun épisode.”

Françis Dorléans se livre à un exercice de style, pour le moins périlleux en nous narrant les infortunes des grands (snobs) de ce monde. Et il le fait avec un humour de circonstance: dur sans être injuste, léger sans être fat, lucide, toujours.      

Dorléans convoque les fantômes du passé, les acteurs d’un monde englouti, fait de faste, de légéreté, et de drames, qui finalement, passent, comme le temps. Il révèle les ombres, les failles et les petitesses  des icônes, stars et  légendes qui ont forgé de ce qui fut successivement la café-society, la high-society puis la jet-set. La plupart d’entre eux sont morts jeunes, usés par les excès: alcool, drogues, amours tragiques, ‘trash sex’, errances existentielles. A force d’avoir voulu éviter l’ennui et la trivialité du quotidien, la quête de l’extraordinaire aboutit au sordide. On ne peut impunément ne vivre que dans l’inconstance, la versatilité, le jour présent. Sous ses mots, ces personnes qui ont tant fait rêver redeviennent des êtres dont les travers, communs à l’ensemble de l’humanité, prennent avec eux des proportions déconcertantes. Narcissisme, égoisme, immaturité, vénalité, bêtise et cruauté tiennent le haut du pavé. Et pourtant, on sent chez ce raconteur d’histoire un respect pour ses personnages dont on devine qu’ils l’ont fait rêver lui aussi. Il ne leur épargne rien, et  décrit, toujours avec justesse et à propos,  l’absurdité où leurs désirs les mènent.

L’auteur a choisi de ne pas structurer son livre par ordre chronologique, les évènements racontés pouvant se chevaucher dans le temps. Il n’a pas non plus jouer sur une structure monographique puisqu’il ne s’agit pas là de portraits mais de ‘story telling’. Il réinvente au besoin les conversations échangées et prêtent à ses personnages les sentiments qu’ils ont plausiblement ressenti à ces instants là. Il donne ainsi à sa démarche la saveur d’un roman, se présentant sous la forme d’une suite de scénettes, toutes plus loufoques les unes que les autres. Cultivant l’esthétique de l’inachevé, Dorléans maîtrise à la perfection sa plume, oscillant, au gré des circonstances, entre sublime et grotesque.

En substance, un petit pot-pourri:

« Comment voulez-vous faire confiance aux hommes ? Son premier amour, pédé, son mari, pédé, son amant, pédé. Comment voulez-vous faire confiance aux hommes qui couchent avec d’autres hommes quand ils couchent aussi avec votre meilleure amie . Marie-Laure de Noailles avait des raisons d’être amère. »

« Evoquant des années plus tard l’Argentine avec des hommes d’affaires qu’il venait de rencontrer dans un cocktail, Onassis se récria : « Mon Dieu, quel pays ! Il n’y avait que des putes et des joueurs de polo…
- Hum, ma femme est née en Argentine, l’interrompit un de ses interlocuteurs.
- Ah oui, génial, et dans quelle équipe jouait-elle ? » »

« Garbo et Marlène devaient encore se partager Erich Maria Remarque. Ce qu’il en restait. Paulette Godard, qui après son divorce avec Charlie Chaplin épousa Remarque, affirmait que ce dernier lui avait confié que Garbo était un mauvais coup. Ce qui repousse les limites de la médisance sans convaincre puisque l’on sait par Marlène que Remarque était impuissant. Quel crédit accorder aux paroles d’un impuissant qui accuse une lesbienne d’être un mauvais coup ? »

-”[Onassis] avait toujours battu ses femmes comme des tapis. Maria [Callas] se conduisait comme une carpette.”

-La prononciation de [Soukras] lui jouait des tours. il disait Benzédriniens pour Byzantins, Kurillo pour Utrillo. “Utrillo! On prononce Utrillo”, lui fit un jour remarquer un de ces blancs-becs sortis de l’université. “C’est ça, toi tu les prononces, moi je les achète, connard”, rétorqua Skouras.

-”Pour l’hôpital américain, c’était impossible d’envisager qu’Onassis se laisse mourir de chagrin. On ne meurt pas de chagrin. Pas à l’hôpital américain. Ce n’est pas le genre de la maison.”

-”Avec les assassinats à répétition de ses fils, le stoïcisme de Rose [Kennedy] allait être mis à rude épreuve, mais elle ne bronchera pas davantage. Elle les avait vu grandir, elle les regardait tomber. C’était le jeu des hommes. A la mort de Bobby, elle demandera à Givenchy de lui coudre son collier de perles à même la robe de deuil qu’il lui confectionnait. Devant l’air interloqué du couturier, elle précisa qu’elle ne voulait pas qu’il vienne frapper le cercueil quand elle se pencherait pour l’embrasser. Une pro. La douleur n’égarait pas Rose Kennedy.”

Snobs définitivement. Mais humains aussi, très humains…

Le Musée de la mode et du textile (ou UCAD pour les connaisseurs) propose, jusqu’au mois de janvier 2010, une exposition consacrée à l’un des plus grands mais aussi des plus méconnus couturiers de l’histoire de la mode: Madeleine Vionnet.

Madeleine Vionnet est une référence absolument incontournable pour les créateurs d’aujourd’hui. Je crois que je n’ai jamais lu un interview où elle ne fut pas mentionnée avec vénération comme source d’inspiration par ceux qui font la mode. De Azzedine Alaia à John Galliano, en passant par Sophia Kokosalakis, elle a inspiré la vocation des dernières générations de ‘fashion people’. Pour une raison simple: elle fut et reste LA technicienne du vêtement. Elle sut, mieux que tous ses contemporains, voir le tissu et l’exploiter dans toutes ses possibilités. Elle généralisa dans ses collections l’utilisation du biais afin d’en faire une seconde peau, se servant du ‘sens ‘ du tissu pour créer grâce à la réflexion de la lumière sur le tissu des jeux de motifs subtils et originaux. Elle ne cessa de chercher des nouvelles combinaisons de plis, de drapés afin de minimiser les coutures, et limitant ainsi le ‘coupé/cousu’, créant une souplesse et une aisance inédites dans le porté du vêtement. Ses créations sont, à première vue, extrêmement sobres, il faut s’approcher et chercher les secrets bien cachés de leur forme.

Mais mon Dieu que cette exposition ne lui rend pas justice!!!!!!!!

J’attendais, comme nombreux de mes camarades modeux, un évènement à la hauteur du talent de cette femme, d’autant plus qu’à ma connaissance, et de mémoire, aucune exposition n’a été réalisée sur son oeuvre depuis bien longtemps, et que par ailleurs, l’UCAD possède l’une des plus grandes collections Vionnet au monde (et pour cause, la couturière a légué une grande partie de ses archives à cette institution). Dire que je sortie dépitée est un doux euphémisme. Réussir à faire d’une oeuvre aussi extraordinaire une suite de robes fades et tristes, c’était une gageure. Eh bien, l’UCAD y est parvenu. Le plus navrant étant que la scénographie au minimalisme conformiste et désastreux a été réalisée par LA papesse du design, Andrée Putman qui a voulu, je cite : ” sélectionner trois matériaux simples et efficaces : la laque noire, la lumière et des miroirs qui allaient nous permettre une mise en abîme « sous toutes les coutures » (ref: site de l’UCAD). Les miroirs étaient en soi une bonne idée, et même un élément indispensable si l’on veut avoir une perception globale des oeuvres de M. Vionnet. Malheureusement, beaucoup de modèles en sont dépourvus et c’est fort dommage. Quant à la lumière, loin d’obéir à un concept esthétique, elle se doit de respecter les normes muséographiques qui s’avèrent très strictes concernant les textiles, dont les fibres naturelles sont particulièrement sensibles. Enfin, la laque noire est de toute évidence un bien mauvais choix dans le mesure ou il obscurcit encore davantage l’espace d’exposition qui n’en n’avait guère besoin. Moralité, la scénographie ruine la beauté des oeuvres exposées en les sacrifiant sur l’autel fumeux du concept.

Oui je sais, je ne suis pas (encore) commissaire d’exposition. Néanmoins, ayant réfléchi à la question, je me permets de proposer quelques idées (après tout, comme dit ma grand-mère, il n’y a que ceux qui ne font rien qui ne se trompent jamais…). Donc voici la liste non exhaustive de ce qui aurait pu, il me semble, être fait pour tenter de rendre justice au travail exceptionnel de M. Vionnet.

En premier lieu, comment comprendre la légendaire modernité de Madeleine Vionnet si on ne replace pas son travail dans son époque et son environnement? Elle ouvre sa maison en 1912, à l’époque de l’âge d’or de Paul Poiret. L’Orientalisme bat son plein, les Ballets Russes crée l’effervescence. Le corset est aboli, mais les jupes continuent à entraver les jambes des femmes tandis que les turbans et les accessoires alourdissent leur buste (enfin pour les excentriques de la haute société, seules clientes du couturier). Coco Chanel n’a pas encore ouvert sa boutique de Deauville et vend des chapeaux à Paris.  Et je ne parle même pas de la mode de la rue encore en pleine ‘Belle Epoque’, robe longue, chapeaux à plumes et corset. En un mot, on en est qu’aux balbutiements de la libération vestimentaire des femmes. Il faut donc envisager les propositions de Madeleine Vionnet comme d’un incroyable radicalisme pour l’époque. Pour la première fois depuis la mode Empire, les femmes bougent librement dans des vêtements qui mettent en valeur leur corps sans en dénaturer l’aspect. Pourquoi diable ne pas avoir exposé quelques tenues de cette époque en introduction, afin de replacer le travail de M. Vionnet dans son contexte d’origine ? Une démontration vaut toujours mieux qu’un long discours.

Cependant, la  modernité du style Vionnet est à mettre en relation avec la modernité de la couturière elle-même. Mais ce point n’est que brièvement évoqué par l’exposition. Pourtant, elle a eu une politique d’entreprise très favorable à ses employé(e)s, s’occupant particulièrement de leur santé. Sachant la précarité des ouvrières de cette époque et leur conditions de travail parfois sordides, il semble clair que Madeleine Vionnet n’aurait jamais cherché à libérer le corps des femmes grâce à ses vêtements si elle n’avait pas eu conscience que ce corps embrigadé est à l’image de leur statut. En outre, l’exposition parle de sa lutte contre la copie, ce qui à l’époque était encore une question peu abordée dans le milieu de la couture. Là encore, il semble logique que cette femme,  privée d’études par son père qui en a fait une main d’oeuvre à 12ans, et qui s’est élevée socialement par sa seule volonté et son travail, ne pouvait qu’être scandalisée par le vol de son dur labeur.

Par ailleurs, je trouve malheureux qu’à une exception près (un vase grec dont elle utilisera les motifs sur une robe brodée), on n’a que très peu d’aperçus de ce qui a inspiré la créatrice. Des objets, des articles éventuellement et surtout des témoignages de descendants de ses clientes, dont on sait qu’elles étaient essentielles à l’évolution des collections de la Maison auraient été utiles, pour ne pas dire indispensables.

Je reviens sur la question de la technique. Une vidéo montre judicieusement les différentes étapes de la coupe d’une robe. Ce procédé, déjà utilisé à l’exposition Poiret du Met il y a deux ans, est très utile pour comprendre la structure de vêtements à la technique complexe. Dommage que cette heureuse initiative  n’ait pas été généralisée à l’ensemble du parcours scénographique.

Je poursuis en évoquant  l’absence totale du livre incontournable si l’on veut comprendre la vie, la personnalité, l’époque et l’oeuvre de Madeleine Vionnet. Je parle bien sûr de la Chair de la robe de Madeleine Chapsal, filleule de la grande couturière et fille de Marcelle Chaumont, première d’atelier de la Maison Vionnet. C’est un témoignage passionnant, plein d’anectodes et de réflexion sur Madeleine Vionnet mais aussi sur ce que représentait la couture à cette époque. Il est très regrettable que Madeleine Chapsal, qui a connu personnellement la couturière et la vie de sa maison de couture soit totalement absente de cette rétrospective. Aucun extrait de son livre, aucune vidéo de son témoignage n’y figurent alors qu’elle a su si bien faire revivre cette époque dans son récit.

Enfin, je finis sur une autre absence de taille: celle des couturiers d’aujourd’hui qui se réclament à  cor et à cri de M. Vionnet. Et en  premier lieu, ceux que j’ai cités en introduction: Azzedine Alaia, sans doute l’un de ses plus légitimes héritiers, tant sa maîtrise technique sans faille est bluffante, mais aussi John Galliano qui a su remettre au goût du jour les robes du soir en biais, et tant d’autres…Pourquoi aucun de leurs modèles ne figure dans les dernières vitrines, pourquoi aucun mot n’expliquant les raisons de leur admiration pour leur prédécesseuse ne vient  poétiquement boucler la boucle?…

Une création Azzedine Alaia et au-dessous de celle-ci, une autre, de John Galliano                                                       

Je n’ai qu’un souhait: que le MET, le V&A ou le Kyoto Institute organisent une exposition Vionnet dans les années à venir. Ainsi, on peut encore espérer qu’une intitution de mode lui rende l’hommage qui lui est dû, à la hauteur de ce que la mode lui doit. Après tout, nul n’est prophète en son pays…

no comment…

 Michael Jackson n’est plus mais comme a si bien dit Coco Chanel: ‘La mode se démode, le style jamais’. Et Michael Jackson avait un style qui est  la juste expression de sa musique: un mélange d’influences et d’inventions qui en faisait l’unicité. Impossible de copier Michael Jackson. Impossible sans tomber dans la caricature ou le kitsch.

Qui à part Michael Jackson a pu porter un pantalon ‘feu de plancher’, des chaussettes blanches et des mocassins noirs sans avoir l’air d’un beauf fini, tout droit sorti du film ‘Camping’? Qui? Personne…Car pour oser un tenue aussi datée et connotée avec brio, il faut quelque chose de plus que les autres, une attitude. Cette tenue sur MJ n’était pas juste acceptable, elle était transcendée par sa personnalité, sa démarche, sa façon d’être qui transparaissaient dans chacune de ses chorégraphies, elle était lui: incroyablement élégante, un mélange parfait de  ce qu’il y a de plus classe et et de plus de ‘cool’ …

Donc, je vais tâcher de faire une petite analyse du style vestimentaire du grand Michael, style qui a l’image de sa musique, est sans précédent et sans héritier digne de ce nom, en un mot: unique.

Inspirations et innovations

Il y a quelque chose de très frappant dans le style de Michael Jackson, ou plutôt deux choses: d’un côté, l’aspect presque défensif  et de l’autre, l’aspect ‘glitter’/paillettes de ces tenues de scène. 

Chacun de ces deux aspects rappelle l’histoire et la personnalité de la star: terrifiée par la violence et obsédée par la quête de la magie de l’enfance.La plupart de ses tenues et une bonne partie de ses vêtements qutotidiens renvoient à ces deux éléments, les deux revers d’une même médaille. Je commence à ’Thriller’ car si son style musical et la totale maîtrise de son travail commence à cet album, son look aussi.

Evidemment, au commencement étaient la veste en cuir rouge super épaulée et le trio pantalon cigarette/chaussettes blanches/chaussures noires. Jackson portera tout au long de sa vie des épaulettes, bien après que la mode des années 80 soit passée. Les épaulettes structurent la silhouette, en imposent littéralement, et donnent de l’assurance. Mais à cette époque c’est d’abord l’image de bad boy en cuir, héritée des années 50 et de Marlon Brando dans “L’ Equipée sauvage” tout autant que du King Elvis au sommet de sa gloire dont il  s’inspire. Les chaussettes blanches qui depuis les années 60 sont plutôt ringardes lui permettaient en fait d’attirer l’attention sur ses pieds et donc ses pas de danse. Dans le clip de Billie Jean, Jackson porte des derbys bicolores, elles aussi très old school, très Harlem/ Cotton Club. Mais assez vite, il optera pour des mocassins à bouts carrés le plus souvent afin de parvenir à se tenir sur la pointe des pieds.  On retrouvera ce style Harlem dans “Smooth criminal” , un hommage à la culture musicale afro-américaine et notamment au jazz. On l’y voit porter un costume blanc avec chapeau et guêtres dans une sorte de bar clandestin qui rappelle l’époque de la Prohibition.

Héritée des années disco et de son premier album solo ‘Off the wall’, il continuera à apparaître en veste pailletée tout au long de la promotion de ‘Thriller’ et reviendra à ce style quelques années après ‘Bad’, arborant très souvent des chemises et vestes brodées de motifs brillants. Les chaussettes blanches seront remplacées par d’autres à paillettes, donnant visuellement autant que symboliquement une aura magique à ses chorégraphies auxquelles s’ajoutera très vite le gant argenté. Ces trois éléments: chaussures noires, chaussettes pailletées et gant devient des emblêmes de l’identé du personnage scénique de Jackson. C’est une communication en forme de synecdoque (la partie pour le tout) qui permet de le rendre immédiatement reconnaissable. Il ajoutera à ces éléments un brassard, traditionnel signe distinctif du deuil qu’il portait en tant que protestation politique par rapport aux injustices faites aux enfants, avait-il expliqué.

 ’Bad’ est un tournant en terme d’image. Jackson joue à fond la carte de la provocation, et joue sur 2 taboo essentiels de sa personnalité. Térrorisé par la violence, il s’y montre agressif, affrontant, dans le clip éponyme, un gang de NY. De même, il joue également sur une image sexuellement explicite notamment avec le titre ‘Dirty Diana’ . Les paroles et la chorégraphie représentent un summum d’érotisme, mâtiné d’un rock à la limite du métal grâce à l’epoustouflante performance de Steve Stevens, guitariste de Billy Idol, qui accompagne Jackson sur ce morceau. Juste génialissime…

Bref, il apparaît aussi bien dans le clip de Bad que dans le Bad Tour, harnaché des pieds à la tête, des boucles de métal courent le long de ses jambes, de multiples ceinturons entourant sa taille, et si dans le clip, il arbore un perfecto noir couvert de zips, il n’hésite pas sur scène à déchirer son T-shirt d’un blanc virginal pour apparaître quasi torse nu.

C’est d’ailleurs à partir de cette époque qu’il multipliera les accessoires jusque là réservés à leur fonction protectrice: jambières rigides, coudières (enfin une en général, à tel point que cela finir par devenir un nouvel emblème de Jackson)…

L’animal exotique comme accessoire ultime: pas de fourure mais un tigre, pas de mocassins en peau de serpent mais un vrai boa, un chimpanzé aussi, avec Michael, l’animal est accessoire essentiel, le trait qui parachève  la ‘cool atitude’. La meilleur preuve en est l’ interview avec un boa constrictor, (oui, oui, celui-là même qui broie ses victimes avec ses anneaux) pour la promotion de Thriller en présence de son producteur d’alors, Quincy Jones.

 Le Petit Prince en son royaume

Jackson a l’obsession du vêtement militaire, pas seulement de la coupe mais aussi des décorations et ornements. Dans ce genre, sa tenue la plus marquante reste celle qu’il porte à la cérémonie des Grammy Awards de 1984 tenue qu’il reportera à l’invitation du président Reagan et également à l’inauguration de son étoile sur le Walk of fame de Los Angeles.

Il me semble que c’est de loin, la tenue la plus emblématique du style Jackson. Tout est travaillé, pas un détail ne lui a échappé. La pantalon noir fitté et coupé court, les chaussettes blanches à revers, les souliers vernis, la chemise blanche impeccable, la veste incroyable et les Ray Ban Aviator et bien sûr le gant pailleté.

 Il semble fasciné par ce qui se rattache à la  royauté, il s’est approprié les codes des monarchies occidentales (pas tant le pouvoir en tant que tel que l’image du pouvoir alliée à celle du glamour), qui ont d’ailleurs inspiré les contes de fées qui faisaient rêver Jackson.  Autoproclamé ‘roi de la pop’, il poussera son goût pour cet univers jusqu’à poser en costume Tudor. D’ailleurs, il est assez amusant de découvrir que Point de vue, le magazine des têtes couronnées,  lui consacrera sa couverture à sa mort avec ce même portrait et en sous-titre :  “Michael Jackson. Il entre dans la légende. Autoproclamé roi de la pop, exilé de son royaume de Neverland, icône américaine trouble et ambiguë, le monarque déchu préparait son come-back à Londres. La mort a fauché Peter Pan en plein vol”. Choix de mots pour le moins révélateur…

Négritude victorieuse et message universaliste

Sa peur des autres qu’il n’a jamais pu cotoyer normalement explique cette façon de se réfugier dans son esprit, sorte de royaume imaginaire auquel il donnera une réalité en créant Neverland, un royaume du merveilleux dont il est le roi. Mais Michael fut un prince noir et même après être devenu blanc, il n’aura de cesse de se ressourcer musicalement dans la musique et les références du peuple afro-américain, cherchant dans l’histoire plus globale du peuple noir des images positives. Des Pharaons (‘Remember the time’) en passant par Harlem (‘Smooth criminal’) et bien sûr par la culture urbaine US contemporaine(Jam’), adoptant chaque fois un look en conséquence. Pour reprendre le terme d’Aimé Césaire, la ‘négritude’ de Jackson ne se veut pas une réalité physique mais à l’image de l’Afro-Américanité, une vérité culturelle, historique et identitaire.

Durant la dernière période musicale (Dangerous pour une part et surtout HIStory et Invicible), les titres de ses albums et leur pochette, ses costumes de scènes se font de plus en plus structurés et voyants. Ses chansons se veulent engagées, traitant de la guerre, de l’injustice et promouvant la paix dans le monde (‘We are the world’, ‘They don’t care about us’, ‘Earth song’, ‘Black or white’).

Plus son visage d’invidu disparaît par des chirurgies de plus en plus nombreuses, plus ses chansons visent à la globalisation par des messages universalistes. Son jeu scénique et notamment son arrivée sur scène emprunte désormais au référence du super héros qui va de pair avec sa quête d’universalisme. Empruntant visuellement autant à l’art statuesque soviétique qu’à la culture BD et cinématographique américaine du super-héros-qui-sauve-l’humanité, Michael Jackson semble vouloir incarner un sur-homme, englobant à la fois par son identité désormais flou et indéfinissable tous les traits de l’humanité et se plaçant, en même temps, symboliquement au-dessus d’elle, tel un messie venu transmettre son message sur Terre.

 Les costumes de Michael Jackson sont très représentatifs de son parcours musical et identitaire, de ses errements comme de ses coups de génie. Désormais passé de l’autre côté du miroir, il ne reste de lui que le meilleur, son oeuvre et ce style, inimitable.  

Cet article est dédicacé à Hélène Th., fan du King of Pop devant l’Eternel

Quelques liens utiles:

-Anectodes de la styliste  du clip Thriller, Déborah Nadoolman Landis :

http://frocktalk.com/?p=940

-Un article de Libération de Marie Lechner du 27/06/09 cité par le blog ci-dessous (dérouler la page)

http://les4saisons.over-blog.com/article-33201003-6.html

-Un article extrêmement intéressant sur Michael Jackson et son rapport  aux constructions culturelles que sont le  genre et  la race

http://www.laviedesidees.fr/Il-etait-une-fois-Michael-Jackson.html

-Flash-mob en hommage au grand Michael:

http://crinoline.wordpress.com/2009/07/10/beat-it-un-flash-mob-en-dernier-hommage-a-mj/

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Michael Jackson, king of style and prince of elsewhere

Michael Jackson past away but as so aptly said Coco Chanel: “Fashion becomes old-fashion, style is forever”. And Michael Jackson had a style that is a fair expression of his music: a mix of influences and inventions that made it unique.

 Impossible to copy Michael Jackson. Impossible without lapsing into caricature or kitsch.
Who, except Michael Jackson, was able to wear short pants, white socks and black loafers without looking like the ultimate Joe Sixpack going in night club on Saturday night? Who? Nobody … Daring to wear such a borderline look needs something special, let’s say an attitude. This held on MJ was not just acceptable, it was transcended by his personality, his approach, his way of being and was reflected in each of his choregraphies. It was him, incredibly elegant, a perfect match of class and ‘cool’…

 So I will try to make a quick analysis of the style of the great Michael, a style which is the image of his music: unprecedented and without an heir worthy of the name, in a word: unique.

Inspirations and innovations

There is something very striking in the style of Michael Jackson, or rather two things: on the one hand, a very defensive aspect and on another hand, a ‘glitter’ one. Both of these aspects remind the story and personality of the star: terrified by violence and obsessed by the quest for the magic of childhood. Most of his stage costumes and a big part of his daily clothes refer to these two elements, the two sides of the same coin. I start at ‘Thriller’ because if his musical style and full control of his work starts this album, his look too.

Once upon a time, there were the red leather jacket with big shoulder pads and the super trio: fitted pants / white socks / black shoes. Jackson wore shouldered jacket for years, long time after the fashion of 80’s has passed. The structured silhouette with shoulder pads, literally impose and provide self-confidence. But it is firstly inspired by the image of the bad boy in leather, inherited of the 50’s fashion and culture, Marlon Brando in “The wild one” as well as the King Elvis at the height of his glory. White socks, outdated since the 60’s, catch attention to his feet and thus to his dance steps. In the Billie Jean video clip, Jackson wears two-tone derbies, also very ‘old school’, very Harlem / Cotton Club. But pretty soon, he opted for square-ended loafers, better to stand on tiptoe.  This Harlem style is very present in “Smooth criminal”, a real tribute to the musical culture and African-American jazz in particular. MJ wears a white suit with hat and gaiters in a kind of underground bar that evokes the days of Prohibition.

Inherited from the disco years and his first solo album ‘Off the wall’, he continued to appear in spangled jacket throughout the promotion of ‘Thriller’ and return to this style few years after ‘Bad’, often wearing shirts and jackets embroidered with bright patterns. The white socks will be replaced by others, glittered, giving a visual, as much as, a symbolic magical aura to his choreography, quickly completed by the silvered glove.

 These three elements: black shoes, socks and silvered glove became emblems of the identity of Jackson’s character. It is a form of communication calls ‘synecdoque’(the part for all) which make him instantly recognizable. He will add to these elements a armband, a traditional sign of mourning, wearing it as a political protest over the injustices done to children as he explained.

‘Bad’ is a turning point in terms of image. Jackson plays the card of provocation, and plays on 2 essential taboo of his character. Terrorized by the violence, he appears aggressive, fighting in the clip, with a gang of NY. In the same time, he also plays with a sexually explicit image including the title ‘Dirty Diana’. The lyrics and choreography are as on the height of eroticism, a rock at the edge of the metal thanks of the breathtaking performance of Steve Stevens, Billy Idol guitarist, who accompanied Jackson on the song. Just great!!!!!! …

He appears both in the clip of Bad and in Bad Tour, harnessed from head to toe, metal loops run along his legs, multiple belts surrounding his weight, and in the clip, a perfecto covered with black zips, but he does not hesitate on stage to rip his virginal white T-shirt to appears half naked.
It was from this time that he started to wear many accessories hitherto used for their protective function: leggings rigid elbow (just one in general, so much, that it finally became a new landmark of Jackson). ..

The exotic animal as the ultimate accessory: no fur coat but a tiger, no leather snake shoes, but a real boa, a chimpanzee, too. With Michael, the animal is an essential accessory, the thing that completes the ‘cool attitude’. The best evidence is the interview with boa constrictor (yes, yes, the same one that crushes its victims with its rings) for the promotion of Thriller in the presence of his producer, Quincy Jones.

Le Petit Prince in his kingdom

Jackson was obsessed with military clothing, not just the cut but also decorations and ornaments. In this style, his most significant look was the one he had at the Grammy Awards ceremony in 1984, but also at the invitation of President Reagan and at the inauguration of his star on the Walk of Fame in Los Angeles.
I think this is by far the most emblematic Jackson’s style. Everything is working out, each detail has a reason to be. The fitted and black trousers, white socks with lapels, shoes varnish, the impeccable white shirt, the amazing jacket, Ray Ban Aviator and of course the glittered glove. 
 

He seemed fascinated by what is related to royalty, he tried to appropriate Western monarchies codes (not so much the power as such that the image of power allied to the glamorous), which have inspired fairy tales that made Jackson dream. Self-made king, he was so fascinated by this universe that he chose to be painted in a Tudor costume. Moreover, it is quite amusing to see that ‘Point de Vue’, the French magazine of the crowned heads, devoted its cover to his death with this sentence: “Michael Jackson is dead. The legend is born. King of pop, exiled from his kingdom of Neverland, ambiguous American icon, the deposed monarch was preparing his comeback in London. Death has mown Peter Pan in flight”. Choice of words quite revealing…

Victorious blackness and universal message

His fear of others that he could never normally live with explains his will to take refuge in his mind, a sort of imaginary kingdom that he materialized with Neverland, a wonderful realm which he is the king. But Michael was a black prince and even after becoming white, he continued to go back to the music and the references of the Afro-American culture, looking for, in the ancestral history of black people, positive images. Pharaohs (‘Remember the time’) through Harlem (‘Smooth Criminal’) and of course by the contemporary U.S. urban culture (Jam), each time taking a look accordingly. Using the West Indian poete Aimé Césaire’s words, the ‘blackness’ is not a physical reality but, as the image of the Afro-Americanness, a history, identity and cultural thruth.

During his last music phase (Dangerous, HIStory and especially Invicible), the titles of his albums and his stage costumes are becoming more structured and lightful. His songs are show his political commitment, dealing with war, injustice and promoting peace in the world ( ‘We are the world’, ‘They do not care about us’,’ Earth Song ‘,’ Black or white ‘). The more his individual face disappears with numerous surgeries, the more his songs aim to globalization by universal messages. His choreographies and in particular his arrival refer to superhero that goes with his quest for universalism. Using visual art as much as statuesque Soviet culture and comics about American super-hero-who-saves-humanity, Michael Jackson seems to embody a superman, encompassing by his henceforth unclear, indefinable identity all traits of humanity and placed himself, at the same time, symbolically over it, like a messiah come to pass his message on Earth.

 Michael Jackson’s look is very representative of his musical identity, his mistakes and his strokes of genius. Now moved on to the other side of the mirror, it only remains of him the best, his work and style, inimitable.

Internet links:

A very interesting interview of Thriller video clip stylist, Rebacca Nadoolman Landis:

- http://frocktalk.com/?p=940

A ‘flash mob’, last tribute to MJ:

- http://crinoline.wordpress.com/2009/07/10/beat-it-un-flash-mob-en-dernier-hommage-a-mj/

Si vous avez parcouru internet ces derniers jours, vous n’avez pas pu passer à côté de la nouvelle campagne de Dior pour son éternel fragrance masculine: l’Eau Sauvage. Et oui, car la nouvelle a de quoi surprendre: la nouvelle égérie n’est ni un sportif ultra-médiatisé, ni un mannequin en vogue, ni un jeune acteur. Ou plutôt, si, c’est un jeune acteur, en tout cas sur la photo de 1966: Alain Delon, l’unique, le seul, l’irremplaçable Alain Delon. Le fantasme de plusieurs générations de femmes ( et une bonne poignée d’hommes), l’acteur français le plus connu hors de nos frontières (ce qui prouve que certains canons de beauté peuvent être universels…), bref un homme comme on n’en fait plus.

Mais pourquoi Alain Delon me direz-vous? Pourquoi cet acteur aujourd’hui septuagénaire dont les films certes admirables sont  aujourd’hui davantage des classiques que des ‘hot sensations’ (nouveautés ‘tendance’).En parcourant les nombreux articles dédiés à ce sujet, j’ai été frappée de constater l’absence de ce qui me semble LE facteur essentiel de ce choix: le ‘wild side’.

 Qu’est-ce que le ‘wild side’ ? Si vous vous souvenez de la chanson de Lou Reed ‘Take a walk on the wild side’, vous avez déjà une idée. Alors disons que le ‘wild side’, c’est le côté sulfureux, subversif, amoral et forcément troublant présent, au moins potentiellement, chez bien des gens . Il y a ceux qui en jouent (tellement que ça peut finir par avoir l’effet inverse de celui escompté, cf: Madonna), ce qui font tout pour le cacher (mais en général, ça fini toujours par resortir, voir exploser, cf: Catherine Deneuve dans Belle de Jour) ou ceux qui l’ont naturellement, je veux dire par là, ceux qui parlent ‘wild’ (ton naturellement suave), marchent ‘wild’ (démarche féline) regardent ‘wild’ (le regard qui tue), bref ils sont l’essence du ‘wild’. Et bien sûr, si vous me suivez, vous avez compris qu’Alain Delon en fait partie, ainsi bien sûr que son alter ego féminin: Brigitte Bardot (enfin celle d’avant la fondation du même nom).

« C’était une évidence. Alain Delon est un mythe vivant et Eau Sauvage, un grand classique de la parfumerie française, » explique-t-on chez Dior Parfums. « Nous avons choisi une photo de 1966, car c’est l’année de création d’Eau Sauvage. Cette image n’a pas vieilli et va nous permettre de toucher à la fois les hommes qui se souviennent de Delon à cette époque et une clientèle plus jeune qui sera séduite par son côté insoumis et irrévérencieux. »

Insoumis, irrévencieux? Un discours marketing bien rôdé mais qui passe volontairement à côté de l’essentiel, ce qui rend la beauté du Delon 66 si dérangeante: l’animalité.  Les marketeurs de Dior Parfums l’ont joué ‘timoré’ , pourtant ils n’ont pas choisi Alain Delon par hasard et le lien s’établit naturellement avec cette citation de Jean-Marie Périer (auteur du cliché) présente sur le site de la marque  ”Quelque soit l’angle choisi, il était cette beauté masculine et sauvage”. Et  voilà, le mot est lâché: sauvage, comme l’Eau du même nom.

Il  est d’ailleurs intéressant de se pencher sur ce nom: l’Eau Sauvage. Un nom plein de contradictions, qui, en lui-même, explique pour une grande part le succès du parfum (tant il est vrai qu’en matière de parfum, ce n’est pas tant le jus qui compte que ce qu’évoque le nom dans l’insconcient des consommateurs (surtout masculins), en témoigne le succès de l’indétronable ‘Mâle’ de JPG). Donc un nom de toute évidence bien choisi, une alliance entre un élément pur, minéral, source de vie et  qui connote, en terme olfactif, la fraicheur, et un adjectif aux antipodes, qui réveille dans l’inconscient du potentiel acheteur ce qui lui semble le plus naturel chez l’homme : la virilité. Bref, un parfum en apparence lisse, léger, frais mais qui aurait le don de révéler la masculinité naturelle de l’homme. Brillant…

Brillant aussi l’idée de choisir Alain Delon qui incarne exactement le même concept. Une beauté parfaite, aux traits aussi lisses et qu’impénétrables, une statue grecque plus vraie que nature, . Mais, avec en plus, le ‘wild side’, ce charme sensuel, à la fois incroyablement masculin et incroyablement féminin, un mélange parfait entre des canons esthétiques millénaires et des désirs encore plus anciens. Paroxystique.

Dans une société comme la nôtre, dans laquelle la sexualité, la sensualité et l’érotisme sont omniprésents, ou chaque petite starlette montante (starlette impliquant à mes yeux les deux sexes) est un produit d’appel qui se mesure au sacro-saint sex-appeal (l’expression étant d’ailleurs assez révélatrice), tout ce qui se rapporte au corps est lissé, édulcoré, nettoyé, bref passé au Karcher de la civilisation dans le but de créer un produit à la séduction fédératrice et quelque peu sans saveur. Attention, loin de moi l’idée de prêcher pour un retour au ‘naturel’ (ce qui ne veut plus rien dire depuis que le dernier être à peu près humain et 100% naturel, non ancêtre Lucie, a disparu).  Mais force est de contaster qu’on ne nous propose désormais que des produits calibrés, censés correspondre à nos fantasmes soi-disant stéréotypés. Mais si Alain Delon a fait fantasmer des millions de personnes, c’est précisement parce qu’il n’était pas calibré, pas créé par des agents, des managers, des relookeurs, de P.R, non, Alain Delon était ainsi. C’est tout.

Malgré tout Dior n’a pas pu s’en empêcher de retoucher la photo : ils ont gommé les mains sales et la cigarette expirante de l’acteur, en profitant pour le passer au filtre intemporel du noir&blanc. Sauvage, oui, mais pas trop quand même…